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14 juin 2016 2 14 /06 /juin /2016 17:33
Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

Turner - Texte de Denis Riout

(Cercle d'art - collection "Découvrons l'art" - 2004 - 60 pages)

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Comme son nom l'indique la collection "Découvrons l'art" permet en quelques pages illustrées d'uns soixantaine d'oeuvres, un peintre. En l'occurence ici le peintre anglais Joseph William Mallord Turner (1775-1851).

Après une courte présentation de l'oeuvre de Turner dans le XIXe siècle et un rappel biographique de peintre, Denis RIout nous propose plusieurs thèmes qui permettent de regrouper des toiles de Turner.

 
Tous les textes de cette présentation sont tirés du livre.

 

1/ La peinture d'histoire

 

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

Peintures avec thèmes historiques telle "Ulysse raillant Polyphème. LOdyssée d'Homère" (1829)

Henri Focillon classe cette oeuvre parmi celles qui font entendre "une sorte de dialogue entre l'homme et le chaos", dans lequel "la nature se répand avec une majesté sauvage autour du débat du monstre et du héros, elle les noie l'un et l'autre dans sa splendeur terrible, et l'agonie du soleil".

 

2/ Le pittoresque

 

Notion spécifique de l'esthétique anglaise du XVIIIe siècle, le "pittoresque" désigne un type particulier de beauté, distinct de l'harmonie mesurée, lisse, souvent symétrique, propre au beau traditionnel.

 

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

"Le lac de Buttermere et une partie des eaux du Comack, Cumberland. Une averse" (1798)

Turner effectua un voyage dans le nord de l'Angleterre pour dessiner les paysages pittoresques de la région des lacs.

 

3/ Le sublime

Evoqué dès l'antiquité, le sublime devient au XVIIIe siècle un concept esthétique essentiel, objet d'études tout d'abord en Angleterre, puis en Allemagne avec Kant.

Distinct du pittoresque, le sublime s'oppose à la beauté définie comme "qualités des corps qui leur permettent d'exciter l'amour ou une passion voisine".

Le sublime revendique la grandeur de sentiment et la simplicité de l'expression, l'élévation d'esprit et la situation paroxysmique d'une imagination saisie par l'effroi. L'orage est une de ses manifestations emblématiques, comme le vide des déserts , la grandeur inhumaine des montagnes...       ​

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

"Avalanche dans les Grisons (Chalet détruit par une avalanche)" - 1810

 

4/ VENISE

 

Turner a visité trois fois Venise. Il ne pouvait qu'être captivé par cette ville suspendue entre ciel et eau, tantôt éblouissante sous le soleil, tantôt voilée de brume, lieu d'élection des peintres coloristes.

 
 

 

 

 

 

 

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

"La Salute : scène de nuit avec des fusées" (vers 1833)

Turner affectionne les effets de nuit. Il utilise ici les réserves non peintes : le papier brun n'est pas un simple fond, mais un élément de la composition.

 

5/ LES "PICTURES OF NOTHING"

 

Au début de sa carrière, Turner manifeste une capacité remarquable dans le "fini". Il sait imiter les moindres détails d'une scène observée. Cependant, au fil des années, il développe une conception plus synthéthique de son art.

 

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)

"Le château de Norham, lever de soleil" 1845

Au cours de sa vie, Turner a donné plusieurs représentations de ce château. Cette huile tardive, "dépouillée de tout ce qui est inutile" fut particulièrement admirée par le peintre Paul Signac, théoricien du néo-impressionnisme, qui y voyait un exemple particulièrement pertinent du "discrédit du sujet".

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Voici grâce à ce livre et à ces extraits un aperçu des éléments de l'oeuvre de Turner.

 

C'est là le grand intérêt de cette collection de nous inviter à mener nous imprégner d'une oeuvre majeure de l'histoire de la peinture, sans overdose, juste pour le plaisir d'une immersion. A chacun ensuite, d'approfondir ou non l'étude et le regard sur l'oeuvre en question.

 

Denis

 

Livre lu dans le cadre du "mois anglais" initié par Lou et Cryssilda.

 
 
 
 
 
 
 
 

 

Turner - Texte de Denis Riout (Cercle d'art)
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10 mai 2015 7 10 /05 /mai /2015 17:37
Le tableau amoureux de Jacques Renoir (Fayard)

Le tableau amoureux de Jacques Renoir

(Fayard - janvier 2013 - 280 pages)

(Tableau de couverture : La dormeuse (1897)

de Pierre Auguste Renoir)

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Dédicace : "A mes enfants, Mathéo et Pauline, l'histoire de leur histoire..."

 

Ce livre est bien cela : raconter un moment de la vie des Renoir si riche en célébrités, à commencer par Pierre Auguste Renoir (1841-1919), que son arrière-petit-fils, Jacques (né en 1942) décide de mettre en scène dans ce livre.

Nous sommes le 3 mars 1914. Jean Renoir (1894-1979), le futur grand cinéaste, a alors 20 ans et il rentre en permission suite à son engagement dans la cavalerie. Son jeune frère, Claude (le futur père de Jacques) dit Coco est impatient de le revoir. Tout le monde trépigne et son arrivée est un moment de grand bonheur. Jean va voir son père dans son atelier. Il le trouve vieilli dans son fauteuil roulant et sent que ses mains commencent à ne plus répondre comme il le voudrait car Renoir peint inlassablement.

On est à la maison de Cagnes dite "La Collette" achetée grâce à Aline, l'épouse du peintre, qui sentait que son mari y trouverait le calme pour achever ici son oeuvre.

Jean raconte sa vie de casernement et entend s'inscrire dans deux ans aux Cadres Noirs de Saumur. Le lendemain, Aline part à Nice chez un photographe. Elle y voit une jeune et belle vendeuse, Andrée, 17 ans. Aussitôt, Mme Renoir voit en Andrée le modèle parfait pour Renoir. Elle l'invite à venir leur rendre visite, ce qu'elle accepte aussitôt.

La vie aux Collettes va alors en être transformée. Renoir est tout ce suite charmé par la jeune femme et son corps parfait. Et puis, Jean, Claude ne sont pas indifférents à Andrée non plus. Toutefois, Coco est encore bien jeune... Et pourtant la première séance n'a pas été un plaisir pour la jeune modèle car elle se rend compte qu'au lieu de la représenter, Renoir a peint un vase et des fleurs. Elle part en pleurant, décidée à ne pas revenir mais Aline va venir la rechercher quelque temps plus tard. Et la vie reprend insouciante car avec les "domestiques" attachés au domaine, toute barrière sociale est écartée et ils font partie de la vie de la grande famille des Renoir. Coco se plait à s'amuser avec Pierre, Anne et Pauline. Ils font des déjeuners sur l'herbe qui ont tant inspiré le grand Renoir.

De nombreux artistes viennent rendre visite au peintre, notamment Rodin, le sculpteur bien connu. Renoir se lasse vite de ce bon vivant et fait son portrait comme c'était prévu entre eux deux aussi vite que possible pour le voir repartir dès que possible.

Comme chaque année, les Renoir quittent au début de l'été 14 Cagnes où la chaleur indispose la famille et arrivent à Paris après un périple en limousine assez compliqué. Renoir en profite pour songer au passé, à ses débuts de peintre, à ses amours avec ses modèles...

A Paris, ils sont accueillis par Pierre, le fils ainé, acteur. Il vit avec Vera une actrice très connue. car on ne pensait pas trop à la guerre à Cagnes. La guerre éclate et les deux ainés sont engagés dans l'armée. Tous les deux vont être rapidement blessés. Jean va l'être assez gravement et envoyé à Gerardmer où il est soigné.

Aline revenue à Cagnes entent se rendre au chevet de son fils et c'est un nouveau voyage difficile et épuisant en limousine. Elle va sauver son fils de l'amputation grâce à son intervention auprès d'un interne qui va utiliser une nouvelle méthode de soin pour éviter la grangrène. Epuisée, elle va rentrer à Cagnes pour y venir.

Le vieux Renoir va alors se sentir bien seul jusqu'à sa mort, après la guerre, en 1919.

Ce livre permet de vivre de l'intérieur les 5 dernières années de la vie de Renoir entouré des siens dont Coco qui sera le grand-père de Jacques. Ainsi il a pu avoir plus facilement accès aux informations concernant la vie à Cagnes à l'époque pour bâtir ce livre passionnant de bout en bout.

Je conseille très fortement la lecture de ce livre bien écrit. On se sent invité de la famille Renoir, allant dans l'atelier du peintre, voyant cette jeunesse vivante éprise de rêves et d'amour. Et les souvenirs du passé de Renoir permettent de revivre les grands moments de sa vie.

Bonne lecture,

Denis

(PS : un magnifique film a été inspiré de ce livre : Renoir de Gilles Bourdos (2013)

Le tableau amoureux de Jacques Renoir (Fayard)
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7 janvier 2013 1 07 /01 /janvier /2013 00:26

 

 

Du spirituel dans l'art, et dans ma peinture en particulier

 par Wassily Kandinsky (Folio essais - 211 pages)

Traduit de l'allemand par Nicole Debrand

et du russe par Bernadette du Crest - Préface de Philippe Sers

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Dans le cadre des lundis philo de Heide

LundisPhilo.jpg

 

    voici ma 7e contribution autour du thème mensuel

(premier lundi de chaque mois) ce mois-ci : "l'art - la beauté dans l'art"

 

Très difficile de trouver un livre sur ce thème précis. Alors, je me suis tourné vers un peintre qui a théorisé sa pratique picturale au début du XXe siècle. Wassily Kandinsky est très connu pour sa peinture atypique et "philosophique" autour de la couleur en art.

Il illustre son propos de 8 oeuvres, dont 3 lui revenant :

 

 

Impressions V (Parcs)

Improvisation 18 (avec pierre tombale)

 

Composition 2

 

Un grand dommage que l'édition Folio présente ces oeuvres en noir et blanc alors que la base de la philosophie du peintre est la couleur.

La seule vision de ces toiles illustre bien le thème de la beauté dans l'art. Kandinsky a su l'exploiter de façon exceptionnelle permettant de visualiser sa pensée alors que d'habitude la philosophie théorise plutôt qu'elle ne montre. Elle conceptualise, à la différence de l'art.

Au début de son introduction, Kandinsky écrit : "Toute oeuvre d'art est l'enfant de son temps et , bien souvent, la mère de nos sentiments. Ainsi, de chaque ère culturelle nait un art qui lui est propre et qui ne saurait être répété. Tenter de faire revivre des principes d'art anciens ne peut, tout au plus, conduire qu'à la production d'oeuvres mort-nées".

Ainsi, chaque article doit produire une oeuvre "neuve", "renouvelée. C'est une philosophie souvent difficile à faire sienne.

Kandinsky, en effet, a su créer une oeuvre personnelle. Son art est un art de "l'intérieur" . Il énonce ainsi son "principe de la nécessité intérieure"

La nécessité intérieure est pour Kandinsky le principe de l’art et le fondement de l’harmonie des formes et des couleurs. Il la définit comme le principe de l’entrée en contact efficace de la forme et des couleurs avec l’âme humaine. Tout art doit venir de "l'intérieur" de la pensée de l'artiste. Il ne doit pas se tourner vers "l'extérieur".

Il énonce deux grandes catégories de couleurs : 1 - Chaleur ou froideur; 2 - Clair ou obscur.

Le jaune, par exemple, est excentrique, porteur de lumière alors que le bleu est concentrique, refermé sur lui-même.

Pensée assez complexe qu'il faut essayer d'appliquer à l'interprétation de ses tableaux.

Essai intéressant pour pénétrer la pensée du peintre et regarder autrement ses toiles complexes du point de vue de l'interprétation mais tellement belles à regarder, à méditer. C'est cela aussi la beauté de l'art...

Denis

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16 juillet 2011 6 16 /07 /juillet /2011 09:00

 

 

 

 

 

  

Ami de Calvino et de Derrida , l'Italien Valerio Adami conçoit

 

sa peinture comme une interrogation sur le langage :

ses personnages enchâssés dans des formes géométriques entretiennent un rapport étroit avec les mots.

 

  

 

 

  

 

 

 

Portrait de Jacques Derrida

 

  

 

Portrait de Walter Benjamin

 

 

 

 

 

 

Divers portraits réalisés par Valerio Adami

 

 

 

 

 

Freud

 

( Source photos internet )

 

 

 

Si vous voulez en savoir plus sur Valerio Adami,

je vous conseille vivement ce livre :

 

Valerio Adami , portraits littéraires par

Philippe Bonnefis

 

 

 

 

 

Editions Galilée - 2010 - 210 pages

 

  

 

 

 

   

 

Valerio Adami en compagnie de Philippe Bonnefis

 

 

(Source : http://www.pileface.com/sollers/article.php3?id_article=1074#comment  )

  

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10 avril 2011 7 10 /04 /avril /2011 08:00

 

 

 

 

 

Expo Musée des impressionnismes

à Giverny

du 1er avril au 3 juillet 2011

www.mdig.fr

 

 

En 1910, l'artiste Pierre Bonnard ( 1867 - 1947 ),

loue La Roulotte , une maison située à Vernonnet ,

près de Giverny.

Il l'achète l'année suivante et il y séjourne régulièrement

avant de s'installer définitivement au Cannet en 1938.

Au tournant du siècle, son art s'oriente progressivement

vers une expression toujours plus libre de la couleur,

 une recherche parallèle à celle que mène à la même époque

son ami et voisin Claude Monet.

Près de 80 oeuvres , peintures et dessins ,

mais aussi photographies , sont ainsi réunies

au musée des impressionnismes

pour évoquer cette période féconde.

 

 

 

 

 

Portrait de Pierre Bonnard par Odilon

( Source photo internet)

 

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18 novembre 2010 4 18 /11 /novembre /2010 09:00

 

 

 

 

 

 

 Maison de Rubens

 

 

   

 

 

  Cour intérieure

 

 

 

 

 

 

   

Une résidence d'artiste est bien davantage qu'une maison.

 Naturellement , l'artiste y a vécu avec sa famille , y a travaillé ,

aimé , souffert.

Mais dans un coin de l'atelier , dans une vue du jardin

ou un rayon de lumière tombant sur un coin de cheminée ,

plane encore l'ombre de l'artiste et de son inspiration.

Il en est ainsi des maisons de El Greco à Tolède ,

 de Michel - Ange à Florence.

Il en est ainsi de la maison de Rubens à Anvers.

 

En 1620 , le secrétaire communal d'Anvers écrivait à propos

 de la maison de Rubens ( et de celle de l'imprimeur Moretus ) :

" Leur résidence suscitera l'étonnement des étrangers ,

l'admiration des voyageurs.

Rubens vivait depuis cinq ans dans son élégante demeure du Wapper.

 Il l'avait conçue lui - même alors qu'il avait trente ans :

un concept audacieux , exubérant , mais aussi majestueux.

Un palazzo sur l'Escaut.

Avec un logement dans le style flamand et un atelier dans le style

exubérant du baroque méridional , les deux ailes étant reliées

 par un imposant portique.

 

Vous pourrez y visiter la superbe salle d'art où Rubens

se livrait à sa passion de la collection , l'atelier où il écrivit

une page importante de l'histoire de l'art ,

le jardin où il se promenait avec ses éminents visiteurs.

 

 

 

 

 

 

 

Jardin de la maison de Rubens

 

 

 

Mais il y a aussi le parloir, la cuisine ,

la chambre à coucher et la lingerie.

Avec tout le mobilier et le matériel nécessaire pour

 le confort d'une famille.

 Car , même une demeure d'artiste , c'est avant tout un lieu où l'on vit.

 

 

 

 

 

 

Portrait de Rubens

 

 

 

Rubenshuis

Wapper 9 - 11

B. 2000 Antwerpen

Belgium

 

www.rubenshuis.be

 

 

( Source photos internet )

 

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4 août 2010 3 04 /08 /août /2010 07:00

 

Lors de notre visite au musée Matisse à Nice, c'est avec plaisir

 que nous avons visité cette expo temporaire

dédiée à LYDIA D. ( Lydia Delectorskaya ),

 Muse et modèle de Matisse.

Celle -ci a débuté le 18 juin et se tiendra jusqu'au

27 septembre 2010.

 

Cette expo a d'abord eu lieu au Musée Matisse de

Cateau - Cambrésis du 27 février au 30 mai 2010.

 

 

Un très beau livre a été édité sur cette expo.

 

 

 

 

 

 

En 1932 une jeune femme russe Lydia D.
arriva dans l'atelier de Matisse à Nice, d'abord pour l'aider à terminer La Danse pour la collection du docteur Barnes à Philadelphie,

 avant de devenir son modèle préféré pendant quatre ans puis par périodes jusqu'en 1954.

 

 

 

 

 

   Rolando Ricci, Lydia Delectorskaya 

Fonds Lydia Delectorskaya,

Musée départemental Matisse, Le Cateau-Cambrésis

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  ( Sources photos internet )

 

 

 

 

 

 Henri Matisse, « Portrait bicolore », 15 mai 1938

 

 

 

 Sa grâce, sa beauté et sa personnalité permirent à Matisse de réaliser parmi ses plus beaux dessins de femme.

Elle devint aussi le modèle des peintures Le Rêve, Blouse verte, La Verdure, Nu rose...
Femme d'exception, elle fit don au musée Pouchkine de Moscou

et au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg

de tout ce qu'elle avait reçu du peintre.

 

 

 

 

 

 

 

 

Matisse, Le rêve, 1935. Lydia D.

 

 

 

 

 

 

 

 

Henri Matisse, La Blouse verte, 21 mars 1936

 

 

 

 

 

   

Lydia Delectorskaya.

Anémones et robe violette-1937

 

 

 

 

 

 

 

Lydia Delectorskaya - 1939

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

Henri Matisse
Grand Visage I (Lydia)
1952

 

   

L'ouvrage offre un regard inédit sur l'oeuvre de Matisse, mais aussi sur la vie quotidienne à l'atelier à travers des témoignages, des documents, des photographies et... les petits mots affectueux et enluminés de Matisse.

 

 

 

 

 

 

 

Henri Martisse & Lydia Delectorskaya

( Photo LIFE.com )

 

 

 

MUSEE MATISSE 
164, Avenue des Arènes de Cimiez - 06000 Nice
Tél. 00 33 (0)4 93 81 08 08  - Fax : 00 33 (0)4 93 53 00 22
e-mail: matisse@ville-nice.fr 

 

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18 juillet 2010 7 18 /07 /juillet /2010 07:00

 

 

 

EXPOSITION MONET IN EXTENSO

 

 

Jamais une exposition n'avait réuni tant de tableaux du grand peintre impressionniste , pas même la dernière grande rétrospective de 1980.

Avec près de 200 oeuvres présentées , les visiteurs , attendus nombreux , se confronteront à des aspects méconnus du plus pur des impressionnistes.

On savait Monet peintre de paysages , on le découvrira aussi auteur de natures mortes , portraitiste ou encore décorateur.

La confrontation inédite entre les tableaux célèbres comme

" Le déjeuner sur l'herbe " ou les dernières " Nymphéas " et des oeuvres rares venues de collections étrangères montre un chercheur infatigable qui construit au fil des ans un style où objets et personnesperdent de leur matérialité au profit des jeux de couleurs et de lumière.

" Avec Monet , le rêve devient la réalité " écrivait son ami Octave Mirbeau.

Telle est l'expérience troublante et ô combien stimulante à laquelle les Galeries nationales du Grand Palais nous convient l'automne prochain.

Un parcours artistique exceptionnel retracé par un ensemble pictural unique à ne manquer sous aucun prétexte !

 

 

 

Paris , Galeries nationales du Grand Palais

du 22 septembre 2010 au 24 janvier 2011

 

 

 

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10 juin 2010 4 10 /06 /juin /2010 09:00

 

 

 

 

 

 

Editions Parenthèses - 2006 - 192 pages

 

Sous la direction de Jean Arrouyge

 

 

 

Ce recueil d'études consacré à l'oeuvre de Cézanne ainsi qu'à des artistes fortement marqués par son influence veut montrer que , tout en menant à leur accomplissement les principales innovations picturales du XIX è siècle.

Cézanne est à l'origine de celles qui ont transformé la pratique des arts du XXè siècle.

 

 

 

L'ouvrage met en jeu trois approches complémentaires :

 

 

 

CONDUITES où l'oeuvre de Cézanne est étudiée du point de vue de sa poétique ;

OEUVRES où sont analysées un certain nombre de toiles , découvrant constantes et ruptures , permanence de thématiques et les enjeux de la pratique de la série ;

SUITES qui examine le profit que des artistes ultérieurs ont su tirer de l'observation de l'oeuvre du peintre aixois.

 

Notre regard contemporain est ainsi amené à confronter l'oeuvre de Cézanne aux travaux de Fernand Léger , Paul Klee , Pierre Buraglio , Richard Diebenkorn et Pierre - Jean Amar , qui attestent de la fécondité de l'exemple cézanien.

 

 

Ces différentes approches sont dues à des auteurs d'horizons différents : conservateur du patrimoine, enseignants en esthétique, en arts plastiques, en sémiologie de l'image, en histoire de l'art et en philosophie.

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25 mai 2010 2 25 /05 /mai /2010 09:00

 

 

Envie ce jour de vous parler de Julie Manet qui fût la fille unique de la célèbre peintre Berthe Morisot et d'Eugène Manet , frère du célèbre peintre Edouard Manet. 

 

 

 

 

 

Portrait de Julie Manet

 

   

Fille unique de Berthe Morisot et d’Eugène Manet, nièce du peintre Edouard Manet, elle se passionne dès l’enfance pour la peinture. Partageant sa jeunesse entre la musique, la visite d’expositions, la peinture, les concerts et les voyages, elle évolue dans un milieu aisé, rencontrant aux dîners hebdomadaires organisés par ses parents des hommes de lettres ou des artistes tels Degas, Monet ou Pissarro. Son père meurt alors qu’elle est encore jeune, et jusqu’à l’âge de seize ans, elle est élevée par sa mère, avant que celle-ci ne soit emportée à son tour par une mauvaise grippe.

 Julie s’installe alors dans la maison de son enfance, rue de Villejust, avec ses deux cousines, Jeannie et Paule Gobillard, qui, comme elle, sont orphelines.

Stéphane Mallarmé, selon le vœu de Berthe et d’Eugène Manet, devient son tuteur, tandis qu’Auguste Renoir fait partie du conseil de famille.

Julie Manet, qui tient un journal entre 1893 et 1899, prend l’habitude de peindre en compagnie de ses cousines (Paule et Jeannie Gobillard) et de Renoir.

 Comme sa mère, elle est sensible aux belles choses et sait juger les peintres qui l’entourent.

Elle passe souvent ses vacances en compagnie des familles Mallarmé et Renoir.

Au cours d’un voyage effectué en Bretagne en 1895, elle représente la famille du célèbre peintre du Moulin de la Galette sur une plage, ses fils Pierre et Jean étant alors respectivement âgés

de 10 et 2 ans.

 En 1900, elle épouse le fils d’Henri Rouart, Ernest, qu’elle a rencontré cinq ans auparavant lors d’une exposition chez

 Durand-Ruel.

Au cours de la même cérémonie, sa cousine Jeannie se marie avec Paul Valéry.

Julie Manet aura trois fils.

 Elle gardera toute sa vie les œuvres de ses parents ou de ses amis et se souciera de la destinée de leurs œuvres.

De fait, elle occupera une grande partie de son temps à organiser des expositions des tableaux de Berthe Morisot, prêtant sans cesse ses collections pour de grandes rétrospectives.

De plus, son mari et elle feront don de nombreuses toiles aux musées français.

Julie Manet nous a laissé une œuvre picturale importante : toute jeune déjà, elle peignait sur le motif, accompagnée par sa mère.

Il est d’ailleurs intéressant de mettre en parallèle les œuvres de Julie Manet et celles de Berthe Morisot, lorsqu’on sait qu’elles ont été peintes en même temps,

mais avec un angle de vue différent.

Sa facture se rapproche de celle de sa mère et de celle de Renoir, mais sa touche allongée et ses formes cernées affirment une peinture d’une sûreté et d’une précision bien personnelles.

 Comme sa mère, Julie se plaisait à représenter les membres de sa famille et de son entourage, pour fixer sur la toile les instants du quotidien.

Ses proches rapportent qu’elle peignait et dessinait très rapidement. En quelques minutes seulement, elle jetait sur la toile tous les éléments de la composition et pouvait suggérer un paysage.

Sa famille conserve d’elle de nombreux carnets de dessins. Portraiturée par plusieurs artistes et à de nombreuses reprises,

Julie Manet apparaît dans les tableaux de Berthe Morisot et de Renoir, ainsi que dans l’œuvre intitulée Julie Manet sur l’arrosoir (1880) peinte par son oncle, Manet, qu’elle admirait.

 

   

    

Julie Manet sur l'arrosoir

par Edouard Manet

 

 

   

   

EUGENE MANET AVEC JULIE DANS LE JARDIN DE BOUGIVAL  ( 1881)

 

par Berthe Morisot

 

 

  

 

   

Portrait de Julie Manet et son chat - 1887

 Pierre Auguste Renoir

 

 

 

 

 

 

   

Portrait de Julie Manet - 1890

par Berthe Morisot

 

 

  

 

  

Portrait de Julie Manet et son lévrier Laerte - 1893

par Berthe Morisot

 

 

   

 

   

Julie Manet - 1894

par Pierre Auguste Renoir

 

 

   

File:Pierre Auguste Renoir - Portrait Berthe Morisot and daughter Julie.jpg

 

   

Portrait de Julie Manet et Berthe Morisot -1894 -

par Pierre Auguste Renoir

 

 

   

Julie Manet / L'heure du thé

 

   

 L'heure du thé

par Julie Manet

 

 

 

( Source photos internet )

 

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